KLEM - Kuraia Musika Elektro-Akustikoko Laborategia - KURAIA Laboratorio de Electroacústica Musical, es una asociación sin ánimo de lucro constituida por profesionales (compositores, directores e intérpretes) del ámbito de la Música Electroacústica Experimental.

KLEM inaugura sus actividades en Marzo de 2001 gracias al esfuerzo y a la colaboración de KURAIA – Konpositoreen Elkartea – Asociación de Compositores que considera la creación de este Laboratorio como un hecho de capital importancia para el medio cultural del País Vasco.

KLEM nace con la finalidad de estimular la Creación Electroacústica, Mixta e Interdisciplinaria, brindando a los artistas (compositores, directores, intérpretes, plásticos, audiovisuales, bailarines, actores, poetas) el primer espacio físico en el País Vasco abierto a todos los compositores y creadores, dotado de las herramientas informáticas indispensables para la investigación técnica, la experimentación multimediática y la producción de obras.

KLEM es el primer laboratorio de estas características en el País Vasco.

Sus miembros vienen realizando de forma constante una intensa actividad en la creación, la enseñanza y la difusión de la música de nuestro tiempo.

Los miembros de KLEM son invitados con regularidad a formar parte de Jurados en Concursos de Composición e Interpretación, así como a dictar Cursos, Seminarios y Conferencias en distintos foros.

KLEM - Kuraia Laboratorio de Electroacústica Musical - ha establecido un área de acción abierta e interdisciplinaria, relacionando la música electroacústica y mixta con todas las disciplinas artísticas.

KLEM establece un programa anual de actividades orientadas a presentar trabajos de artistas que han obtenido un reconocimiento, o de proyectos que por sus características superan los circuitos comerciales.

KLEM tiene su sede en la SGAE – Bilbao, Gran Vía 29 – 1º.

Concierto-Didáctico en el Museo de Arte Contemporáneo de BADAJOZ

9 de Noviembre de 2002

Concierto Subvencionado por Gobierno Vasco, Universidad de Extremadura.

El Concierto será acompañado de charlas explicativas sobre los procedimientos compositivos y razones estéticas de las obras, y se cerrará con un debate a modo de conclusión sobre la música mixta, electroacústica y multimediática planteada en el concierto. En ambos momentos se espera la participación del público asistente.

Programa del Concierto

Concierto Subvencionado por Gobierno Vasco, Universidad de Extremadura.

• Giacinto Scelsi

Saxofón Soprano y Acción Plástica

• Myriam Alonso de Armiño

Teurgia (1999)

• Ángel Enfedaque

El Hombre Segrega Desastre A Través Del Abismo (2000)

Saxofón Barítono-Alto, Sonidos Electroacústicos y Acción plástica

• María Eugenia Luc  

Lamiak II (2002)

Vídeo-creación: Juan Crego

Ponentes

• María Eugenia Luc: Compositora. Directora Artística de KLEM (Kuraia Laboratorio de Electroacústica Musical)
• Ángel Enfedaque: Compositor. Director Técnico del KLEM

• Iñigo Ibaibarriaga: Saxofonista. Vicepresidente de KLEM
• Javier Soto: Artista Plástico

1. 6 Atriles
2. 2 Micrófonos de pie
3. 1 Micrófonos inalámbricos de pinza
4. 4 Altavoces
5. Mesa de Mezclas
6. Lector de CD.
7. 1 Pantalla de proyección
8. 2 proyectores de vídeo (uno fijo para la pantalla y otro móvil para los lienzos)
9. 1 lector de DVD o VHS o CDRom para los vídeos
10. Iluminación a determinar en el lugar

BIOGRAFÍAS Y COMENTARIOS DE OBRAS

Giacinto Scelsi (1905-1988)

Giocinto Scelsi, conde de Ayala Valva, nació en La Spezia, el 8 de Enero de 1905.

Giocinto SCELSI jamás deseó que se hablase de él como compositor:

SCELSI prefería verse como un intermediario, un mensajero. En este aspecto su planteamiento era Oriental.

A partir de sus viajes a Nepal y al Tibet, el músico se sumerge en la filosofía Zen.

Así surgieron 5 obras para piano donde el tiempo parece suspendido y el espacio sonoro se abre al infinito.

Su búsqueda se cristaliza en 1959, en una de las obras más revolucionarias del momento: "Cuatro piezas sobre una sola nota " (para orquesta de cámara).

SCELSI persigue en el terreno de la música de cámara, la búsqueda de lo absoluto en música.

Los instrumentos utilizan a menudo sordinas que mezclan la señal sonora aumentando sus posibilidades.

Así cada cuerda del mismo instrumento puede tener su propia sordina. Todo es anotado hasta el mínimo detalle.

Su obra adquiere entonces una complejidad extrema, como en el Cuarteto nº 4 donde cada instrumento se ha trabajado con un pentagrama por cuerda.

SCELSI trabajaba mucho con los intérpretes, les dejaba, bajo su control, desarrollar grandes dosis de improvisación.  

El compositor consideraba el sonido como "El primer movimiento de lo inmóvil" diciendo que "La Altura del sonido no es el motivo que altera fundamentalmente el discurso musical". 

Las obras más numerosas, para instrumento o voz sola (la escritura monódica) son fundamentales en su proceso de exploración. Los micro-intervalos se integran en su música a partir de 1956.

 TRE PEZZI (1984)

para saxofón soprano

Las 3 piezas, originalmente escritas para oboe solo en 1984, forman parte de un gran número de obras que SCELSI ha consagrado a los instrumentos solistas o a la voz sola, sin acompañamiento.  

Algunas obras son capitales en el proceso de exploración interior del sonido.

En esta obra hay una influencia importante de las músicas asiáticas. En ellas la atención del compositor se centra en las pequeñas variaciones del ritmo, del timbre y de la dinámica, moviéndose más allá de la tonalidad. Se desarrollan en todo el espectro del instrumento.  

La escritura monódica se articula en torno a polos de atracción. Esto le confiere un carácter modal en un discurso muy flexible donde la anchura se rompe por la gran complejidad rítmica.

Myriam A. De Armiño

Natural de Bilbao (1976), realiza estudios musicales de piano y violoncello en el Conservatorio de Música de Bilbao y de composición en el Conservatorio "Jesús Guridi" de Vitoria.

Asiste a diversos cursos de perfeccionamiento en composición, música electroacústica y técnica pianística con José Luis Campana, Ricardo Requejo, Josep María Colom, Joseba Torre, José Manuel Berenguer, José Manuel López López, Luís de Pablo, George Crumb,

Como miembro del "Grupo de Música Contemporánea Kuraia", estrena sus obras tanto por el Ensemble Kuraia como por diversos solistas como el saxofonista Josetxo Silguero, el violinista Andrea Cazzaniga, etc.

"Teúrgia" (2001)

para saxofón barítono, cinta y electrónica

Estrenada por J.S en el VIII Festival de Música Electroacústica de Vitoria-Gasteiz, el 20/II/2001.

"La teúrgia es la realización de la magia blanca o divina con el propósito de comunicarse con los ángeles, los espíritus planetarios y los entes astrales. Supone el intento de influir sobre una parte de las corrientes mentales del Universo. De esta idea surge esta obra, que da comienzo con sonidos que evocan la naturaleza para dar paso a conversaciones entre el teúrgo (saxofón barítono) y seres de otras esferas que ayudan a conseguir sus aspiraciones" . Myriam A. De Armiño.

A TRAVÉS DEL ABISMO (2000)

Eterna y físicamente infatigable era el teatro de danza japonés Butoh, un término casi intraducible que significa más o menos «danza negra» o «paso negro». Lentos, penetrantes, casi fúnebres, en marrones, negros, cremas y grises, sus bailarines renunciaban a lo fácilmente asequible y a los placeres instantáneos. Con una intensidad ritual que hacía pensar en el body art de la década de 1960, y con simbolismo atribuido a materiales como la tierra y el agua, era una forma de danza de movimientos en cámara lenta gestos exagerados, algunas veces yuxtapuestos con música incongruente- mente horrorosa o representada en completo silencio. Austera y misteriosa, la meta similar al zen de los intérpretes de Butoh era lograr la iluminación espiritual a través de un riguroso entrenamiento físico. A menudo estaban desnudos, con la piel sucia con arcilla blanca o cenicienta, y la impresión resultante dada por estas figuras inmóviles y retorcidas era que eran en parte fetos, en parte momias, que simbolizaban así el tema elegido de Butoh del espacio entre el nacimiento y la muerte.

Intrincadamente atado a las antiguas tradiciones japonesas tiene en común su fascinación por el cuerpo como instrumento de metamorfosis trascendental.

Estas Performances rituales y solemnes hacían referencia a un gran cuerpo de obras icónicas, tanto orientales como occidentales, que con su poderosa presencia física intentaban revelar elementos espirituales en el paisaje visual.

"A través del abismo" combina elementos del teatro del Butoh y de elementos y rituales de la desolación occidental causada por los desastres de la guerras.

María Eugenia Luc ha recibido el Título Profesor Superior de Composición del Conservatorio Superior de Bilbao. Realizó sus estudios musicales en la Universidad Nacional de Rosario-Argentina; el Laboratorio de Música Electroacústica de Recoleta (Buenos Aires), la Civica Scuola di Musica Contemporanea di Milano, y en l’ École Nationale de Musique d’ Aulnay-sous- Bois. En la actualidad estudia en el Departamento de Música de la Universidad de París 8. María Eugenia Luc ha sido becaria de Cursos Internacionales como Musikinstitut Darmstadt, Accademia Chigiana di Siena., entre otros.

Sus obras premiadas por: I.S.M.C., Ars Contemporanea, Istituto Italo-Latino-Americano di Roma y el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, han sido estrenadas en salas y festivales de Europa y América: Palazzo Chigi Saracini (Siena), XII Cicle de Música del segle XX (Barcelona), Festival de Sevilla (Teatro Central), Palacio Euskalduna (Bilbao), Quincena Musical Donostiarra, Musikaste de Renteria, Royal Academy of Music de Londres, Festival Musica Strasbourg, Goethe Institut de París, Festival "Aujourd’hui Musique" de Perpignan, Teatro Colón (Buenos Aires), etc.

Fue profesora del Conservatorio Superior de Buenos Aires "Manuel de Falla", Universidad Nacional de Buenos Aires, Corsi Serali presso il Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano y colaboradora de la Casa Editorial Ricordi Milano. A partir de 1986 dicta Cursos de Especialización, Seminarios y Conferencias, invitada por: la Secretaría de Cultura Argentina, Conservatorio Superior "Manuel de Falla" de Buenos Aires, Comune di Milano; Universidad de País Vasco y Gobierno Vasco.

Desde su fundación en 1997 hasta el año 2000, María Eugenia Luc fue Presidente de KURAIA Grupo de Música Contemporánea de Bilbao. Actualmente es Directora Artística del KLEM (KURAIA Laboratorio de Electroacústica Musical), donde desarrolla una amplia labor de formación y divulgación de la música actual.

LAMIAK II (2002)

Electroacústica y Vídeo-creación

Esta obra se inspira libremente en la filosofía Taoísta y ha surgido de la lectura apasionada del Lao Zi. La palabra china Dao significa "camino" y con ella se indica el proceso mismo de transformación de la Naturaleza: aquella síntesis suprema de todos los contrarios que el taoísmo resumen en la contradicción-raíz yin-yang.

Esta idea es la génesis de cada uno de los aspectos formales de la obra (sintáctico, tímbrico, rítmico, interválico, etc.) y se manifiesta en los materiales y estructuras que la conforman.. La contradicción yin-yang es la base de un recorrido fenomenológico en donde el contraste entre el estatismo y el dinamismo, entre la acción y la contemplación, se dirige hacia una inevitable síntesis resolutiva.

La génesis de la obra es la heterogeneidad con el fin de lograr un equilibrio entre los opuestos: materiales de distintas procedencias, fuentes sonoras contrastantes, procedimientos compositivos de orígenes diversos (Redes Interválicas, Espectros, Células rítmicas, Proporción Áurea).

Sonoridades antagónicas (sonidos rugosos y lisos, impulsivos y evolutivos, armónicos e inarmónicos) fluctúan entre dos polos tímbricos constituidos por sonidos de madera y de metal, de cuerda y de viento; algunos de estos son presentados como elementos concretos e identificables y otros son transformados y estilizados hasta alcanzar un grado extremo de abstracción.